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Music Portal La musique est une forme d'art qui implique organisé et les sons audibles et le silence. Elle est normalement exprimée en termes de hauteur (ce qui inclut la mélodie et harmonie), le rythme (ce qui inclut le tempo et compteur), et la qualité du son (qui comprend le timbre, l'articulation, la dynamique et texture). Musique mai également impliquer les formes complexes de génération dans le temps par la construction de modèles et combinaisons de stimuli naturels, principalement sonore. Musique mai être utilisé pour le divertissement artistique ou esthétique, communicatif,, ou à des fins cérémonielles. La définition de ce qu'est la musique varie selon la culture et le contexte social. Si la peinture peut être considérée comme une forme d'art visuel, la musique peut être considérée comme une forme d'art auditif. Allégorie de la Musique, de Filippino Lippi Allégorie de la Musique, de Lorenzo Lippi Sommaire 1 Définition 2 Histoire 3 Aspects 4 Production 4.1 Performance 4,2 solo et ensemble 4.3 La tradition orale et notation 4.4 L'improvisation, l'interprétation, la composition 4.5 Composition / / [modifier] Définition vu par [http://www.FaceYourArt.com] Article principal: définition de la musique Voir aussi: Musique Genre La définition la plus large de la musique est organisée sonore. Il existe des modèles observables à la musique ce qui est communément étiquetés, et bien qu'il existe des variations culturelles sont compréhensibles, les propriétés de la musique sont les propriétés du son tel qu'il est perçu et traité par les humains et les animaux (les oiseaux et les insectes aussi faire de la musique). La musique est formulée ou de sons organisés. Bien qu'il ne peut pas contenir les émotions, il est parfois conçue pour manipuler et de transformer l'émotion de l'auditeur / auditeurs. Musique créée pour les films est un bon exemple de son utilisation pour manipuler les émotions. Philosophes grecs et les théoriciens de la musique médiévale définie sous forme de tonalités classés horizontalement que les mélodies, les harmonies et verticalement. Théorie de la musique, dans ce domaine, est étudié avec la prémisse que la musique est ordonnée et souvent agréables à entendre. Toutefois, dans le 20ème siècle, les compositeurs contesté l'idée que la musique devait être agréable en créant des musiques qui ont exploré les plus sévères, des timbres plus sombre. L'existence de certains genres modernes journée comme grindcore et la musique de bruit, qui jouissent d'une suite souterrain aux dimensions impressionnantes, indiquent que même les plus grossières bruits peuvent être considérées comme la musique si l'auditeur est ainsi disposé. 20th Century compositeur John Cage en désaccord avec l'idée que la musique doit se composer d'agréables mélodies discernables, et il a contesté l'idée selon laquelle il peut communiquer quelque chose. Au lieu de cela, il a soutenu que tout, nous pouvons entendre les sons peuvent être de la musique, en disant, par exemple, «Il n'ya pas de bruit, du son uniquement," [3]. Selon le musicologue Jean-Jacques Nattiez (1990 p.47-8, 55): «La frontière entre la musique et le bruit est toujours culturellement définies - ce qui implique que, même au sein d'une même société, cette frontière ne passe pas toujours par le même place, bref, il existe rarement une .... consensus par tous les comptes il n'y a pas de concept unique, universel et interculturel définir ce que la musique peut être. Johann Wolfgang Goethe a estimé que les schémas et les formes étaient à la base de la musique, il a déclaré que l'architecture »est gelé la musique». [modifier] Historique vu par [http://www.FaceYourArt.com] Article détaillé: Histoire de la musique Voir aussi: Musique et Politique Figurines jouant des instruments à cordes, fouilles à Suse, 3e millénaire avant JC. Iran National Museum. L'histoire de la musique antérieure à l'écrit et est liée au développement de chaque culture humaine unique. Bien que les premières traces de l'expression musicale se trouvent dans le Sama Veda de l'Inde et dans les 4000 années à écriture cunéiforme vieille de Ur, la plupart de nos documents écrits et d'études traitent de l'histoire de la musique dans la civilisation occidentale. Cela comprend les périodes musicales telles que médiévale, renaissance, baroque, classique, romantique et 20e siècle, la musique ère. L'histoire de la musique dans d'autres cultures a aussi été documentée dans une certaine mesure, et la connaissance de la "world music" (ou le domaine de "l'ethnomusicologie") est devenue de plus en plus recherché dans les milieux académiques. Cela comprend les traditions classiques documentée des pays asiatiques en dehors de l'influence de l'Europe occidentale, ainsi que le folk ou la musique autochtone de diverses autres cultures. (La musique du monde a été appliqué à un large éventail de la musique en dehors de l'Europe et l'influence européenne, bien que sa demande initiale, dans le cadre du Programme mondial de musique à l'université Wesleyan, était comme un terme y compris tous les genres musicaux possibles, y compris traditions européennes. Dans les milieux universitaires, le terme original pour l'étude des musiques du monde, "musicologie comparée", a été remplacé au milieu du XXe siècle par "l'ethnomusicologie", qui est encore considéré comme une monnaie insatisfaisante par certains.) Styles populaires de musique varié considérablement selon les cultures, et de période en période. Différentes cultures ont souligné les différents instruments ou techniques, ou utilise pour la musique. La musique a été utilisée non seulement pour le divertissement, pour les cérémonies, et pour une communication pratique et artistique, mais aussi beaucoup de propagande. Comme les cultures du monde sont entrés en contact plus étroit, leurs styles musicaux autochtones ont souvent fusionné dans de nouveaux styles. Par exemple, les États-Unis le style bluegrass contient des éléments de l'anglo-irlandais, écossais, irlandais, allemand et certains afro-américain des traditions instrumentales et vocales, qui ont pu se fondre dans plusieurs Etats-Unis '-ethnique "melting pot" de la société. Il ya une foule de classifications de la musique, dont beaucoup sont pris dans la querelle sur la définition de la musique. Parmi les plus grands d'entre eux est la division entre la musique classique (ou «art» de musique), et la musique populaire (ou de la musique commerciale - notamment le rock and roll, musique country, pop et musique). Certains genres ne s'inscrit pas dans un de ces "Big Two" classifications, (tels que la musique folk, musique du monde, ou de la musique jazz). Les genres de musique sont autant déterminées par la tradition et à la présentation que par la musique actuelle. Alors que la plupart de musique classique est acoustique et destinés à être exercées par des individus ou des groupes, de nombreuses œuvres décrites comme "classique", notamment les échantillons ou un ruban, ou sont mécaniques. Certaines œuvres, comme Rhapsody in Blue de Gershwin, sont revendiquées à la fois par le jazz et la musique classique. De nombreux festivals de musique actuelle de célébrer un genre musical particulier. Il ya souvent désaccord sur ce qui constitue la «musique» réel: la fin du délai quatuors à cordes de Beethoven, des partitions de ballet de Stravinsky, le sérialisme, l'ère du Be-Bop Jazz, rap, punk rock, electronica et ont tous été considérés comme non-musique par certains critiques quand ils ont été la première fois. [modifier] Aspects vu par [http://www.FaceYourArt.com] Article principal: aspects de la musique Les aspects traditionnels ou de la musique classique européenne souvent mentionnés sont ces éléments étant donné la primauté d'influence européenne de musique classique: la mélodie, harmonie, rythme, timbre ou de timbre, et la forme. Une liste plus complète est donnée en précisant les aspects du son: hauteur, timbre, l'intensité et la durée. [1] Ces aspects se combinent pour créer des aspects secondaires, y compris la structure, la texture et le style. Autres aspects comprennent généralement inclus la localisation spatiale ou le mouvement dans l'espace des sons, le geste et la danse. Le silence a longtemps été considérée comme un aspect de la musique, allant de la pause spectaculaire dans les symphonies de la période romantique, à l'avant-garde, l'utilisation du silence comme un énoncé artistique au 20e siècle des œuvres telles que John Cage's 4'33. "John Cage considère la durée de la principal aspect de la musique parce qu'elle est le seul élément commun à la fois «son» et le «silence». Comme mentionné ci-dessus, non seulement les aspects inclus en tant que musique varient, leur importance varie. Par exemple, la mélodie et l'harmonie sont souvent considérés à donner plus d'importance dans la musique classique au détriment du rythme et du timbre. Il est souvent débattu pour savoir si il ya des aspects de la musique qui sont universelles. Le débat porte souvent sur des définitions. Par exemple, l'affirmation assez commun que "la tonalité" est universel à toute la musique exige une définition élargie de la tonalité. Une impulsion est parfois considéré comme un universel, mais il existe des voix solo et des genres instrumentaux avec Free, les rythmes d'improvisation sans pouls régulier; [2] Un exemple est la section ALAP d'un spectacle de musique hindoustani. Selon Dane Harwood, "Nous devons nous demander si une contre-culturelle musicale universelle se trouve dans la musique elle-même (que ce soit sa structure ou de fonction) ou de la façon dont la musique est faite. Par« faire de la musique, je compte pas que le rendement réel, mais aussi comment la musique se fait entendre, comprendre, même appris. [3] [modifier] Production Article détaillé: Musique de l'industrie La musique est composée et interprétée à de nombreuses fins, allant du plaisir esthétique, religieuses ou rituelles, ou comme un produit de divertissement pour le marché. Les musiciens amateurs de composer et interpréter de la musique pour leur plaisir, et ils ne cherchent pas à tirer leurs revenus de la musique. Les musiciens professionnels sont employés par une série d'institutions et d'organisations, y compris les forces armées, des églises et des synagogues, des orchestres symphoniques, de radiodiffusion ou de sociétés de production cinématographique, et écoles de musique. En outre, les musiciens professionnels de travailler comme indépendants, la recherche de contrats et engagements dans une variété de contextes. Bien que les musiciens amateurs diffèrent de musiciens professionnels que des musiciens amateurs ont une source non musical de revenu, il ya souvent de nombreux liens entre les musiciens amateurs et professionnels. Début musiciens amateurs prendre des cours avec des musiciens professionnels. Dans les milieux communautaires, avancé musiciens amateurs jouer avec des musiciens professionnels dans une variété d'ensembles et orchestres. Dans certains cas rares, des musiciens amateurs atteindre un niveau de compétence professionnelle, et ils sont capables d'exécuter les paramètres de performance professionnelle. Une distinction est souvent faite entre la musique jouée au profit d'un public et de la musique qui est effectué dans le but d'être enregistrés et distribués par l'intermédiaire du système de vente de musique ou le système de radiodiffusion. Cependant, il ya aussi de nombreux cas où une performance en direct devant un public est enregistré et distribué (ou diffusés). [modifier] Performance Icône de détail Article: Performance Musiciens chinois Naxi Quelqu'un qui effectue, compose, ou effectue la musique est un musicien. Musiciens jouent de la musique pour une variété de raisons. Certains artistes expriment leurs sentiments en musique. La scène la musique est une activité agréable pour les musiciens amateurs et professionnels, et il est souvent fait au profit d'un auditoire, qui est en tirer quelque esthétiques, sociales, religieuses, ou de cérémonie valeur de la performance. Une partie de la motivation pour les artistes professionnels, c'est qu'ils tirent leurs revenus de la musique. Non seulement est-ce un revenu tiré la motivation, la musique est devenue une partie de la vie ainsi que la société. Permettant à un être motivée par l'auto motivations intrinsèques ainsi, comme dit l'adage «pour l'amour de la musique." De même, la musique est jouée dans le cadre de pratiquer, comme un moyen de développer les compétences musicales. [modifier] solo et ensemble De nombreuses cultures sont de solides traditions de la performance en solo ou en soliste, comme dans la musique classique indienne, et dans la tradition de l'art la musique occidentale. D'autres cultures, comme à Bali, incluent une longue tradition de performance du groupe. Toutes les cultures sont un mélange des deux, et les performances vont de mai improvisée jouer en solo pour son exercice à très planifié et organisé des rituels de performance tels que le concert classique, moderne ou des processions religieuses. Musique de chambre, qui est la musique pour un petit ensemble avec pas plus de une personne de chaque type d'instrument, est souvent considérée comme plus intime que les œuvres symphoniques. Un interprète est appelé un musicien ou un chanteur, et ils mai faire partie d'un ensemble musical, comme un groupe de rock ou un orchestre symphonique. [modifier] La tradition orale et notation Article détaillé: Notation musicale Notation musicale La musique est souvent conservé dans la mémoire et la représentation seulement, transmis oralement, soit phonétiquement ( «l'oreille»). Lorsque le compositeur de la musique n'est plus connu, cette musique est souvent classée comme «traditionnels». Différentes traditions musicales ont des attitudes différentes envers comment et où apporter des modifications aux matériels dont la source d'origine, de très strictes, à ceux qui demandent l'improvisation ou la modification à la musique. En Gambie, Afrique de l'Ouest, l'histoire du pays est passé sur le plan phonétique par la chanson. Quand la musique est écrite, elle est généralement notée afin que il ya des instructions sur ce que devrait être entendu par les auditeurs, et ce que le musicien doit faire pour jouer de la musique. C'est ce qu'on appelle en notation musicale, et l'étude de la façon de lire la notation implique la théorie musicale, l'harmonie, l'étude de la pratique d'exécution et, dans certains cas, une compréhension des méthodes de performance historique. Notation écrite varie avec style et l'époque de la musique. Dans l'ouest de la musique savante, les types les plus communs de la notation sont des notes écrites, qui comprennent tous les éléments de la musique comme un orchestre, et les pièces, qui sont la notation musicale pour les artistes individuels ou des chanteurs. Dans la musique populaire, jazz et blues, la notation musicale standard est la feuille de plomb, qui notates la mélodie, des accords, des paroles (s'il s'agit d'un morceau de chant), et la structure de la musique. Néanmoins, les notes et les pièces sont également utilisés dans la musique populaire et jazz, en particulier dans les grands ensembles tels que le jazz «big bands». Dans la musique populaire, les guitaristes et les bassistes électriques lis souvent musique écrite en tablature, ce qui indique l'emplacement des notes à jouer sur l'instrument de l'aide d'un diagramme de la guitare ou fingerboard basse. Tabulature a également été utilisé à l'époque baroque pour noter la musique pour le luth, une corde, Fretted instrument. En général la musique qui doit être effectué, est préparé comme des partitions. Pour interpréter de la musique de la notation nécessite une compréhension à la fois le style musical et la pratique de performance qui est associé avec un morceau de musique ou de genre. Le détail explicitement incluse dans la notation musicale varie entre les genres et périodes historiques. En général, la notation musicale art du 17e jusqu'au 19e siècle requis artistes interprètes ou exécutants d'avoir une grande connaissance du contexte sur l'exécution des styles. Par exemple, dans le 17ème et 18ème siècle, musique écrite pour les artistes solo généralement signalé une mélodie simple et sans ornement. Toutefois, il était prévu que les artistes sachent comment ajouter style appropriés à des ornements tels que des trilles et des virages. Au 19e siècle, la musique d'art pour les artistes solo mai donner une instruction générale de nature à jouer de la musique expressive, sans décrire en détail comment l'artiste doit faire. Il était prévu que l'interprète ne savent comment utiliser les changements de tempo, accentuation, et les pauses (parmi d'autres appareils) pour obtenir ce "style" expressive performance. Au 20e siècle, la notation musicale art souvent devenus encore plus explicites, et utilisé une série de marquages et des annotations pour indiquer aux artistes comment ils doivent jouer ou de chanter le morceau. Dans la musique populaire et le jazz, la notation musicale indique presque toujours que le cadre général de la mélodie, l'harmonie, ou une approche de performance, les musiciens et les chanteurs sont censés connaître les conventions de performance et de styles associés à des genres précis et morceaux. Par exemple, la «feuille de plomb" pour un air de jazz mai indiquent seulement la mélodie et les changements d'accords. Les interprètes de l'ensemble de jazz sont censés connaître la façon de «étoffer» cette structure de base en ajoutant des ornements, la musique improvisée, et de l'accompagnement harmonique. [modifier] L'improvisation, l'interprétation, la composition Principaux articles: composition musicale, l'improvisation musicale, et improvisation libre La plupart des cultures utilisent au moins une partie de la notion de preconceiving matériau musical, ou sa composition, comme étant détenus à la musique classique occidentale. Même lorsque la musique est notée avec précision, il existe encore de nombreuses décisions qu'un artiste doit faire. Le processus d'un artiste interprète ou exécutant de décider comment interpréter de la musique qui a déjà été composé et notée que l'on appelle l'interprétation. Différentes interprétations des artistes »de la musique même peut varier considérablement. Compositeurs et auteurs-compositeurs qui présentent leur propre musique sont l'interprétation, tout autant que ceux qui exécutent la musique des autres ou de la musique folk. Le corps standard de choix et les techniques actuelles à un moment donné et un endroit donné est dénommée la pratique d'exécution, où l'interprétation est généralement utilisé pour désigner soit les choix individuels d'un artiste, ou un aspect de la musique qui n'est pas clair, et donc a une «norme» d'interprétation. Dans certains genres musicaux, tels que le jazz et le blues, encore plus de liberté est donnée à l'artiste de se livrer à l'improvisation sur un cadre de base mélodique, harmonique ou rythmique. La plus grande latitude est donnée à l'interprète dans un style de spectacle d'improvisation libre appelé, ce qui est matériel qui est spontanément "pensé" (imaginaire), tout en étant accompli, et non préconçue. Selon l'analyse de Georgiana Costescu, musique improvisée suit habituellement stylistique ou conventions du genre et même «entièrement composé» comprend certains documents librement choisis (voir précompositionnelles). Composition ne signifie pas toujours l'utilisation de la notation, ou le seul auteur connu d'un individu. La musique peut aussi être déterminée en décrivant un «processus» qui mai créer des sons musicaux, des exemples de cette gamme de carillons éoliens, grâce à des programmes informatiques qui sonne sélectionner. La musique qui contient des éléments choisis par hasard qu'on appelle la musique aléatoire, et est souvent associé avec John Cage et Witold Lutoslawski. [modifier] Composition Composition musicale est un terme qui décrit la composition d'un morceau de musique. Méthodes de composition varient largement d'un compositeur à l'autre, toutefois dans l'analyse de la musique sous toutes ses formes - spontanés, formés ou non formés - sont construites à partir d'éléments comprenant une pièce musicale. La musique peut être composée pour des performances répétées ou il peut être improvisée composée sur place. La musique peut être réalisé entièrement à partir de la mémoire, à partir d'un système écrit de notation musicale, ou une combinaison des deux. Étude de la composition a toujours été dominé par l'examen des méthodes et pratique de la musique classique occidentale, mais la définition de la composition est suffisamment large pour inclure spontanément improvisés des ouvrages comme ceux des artistes interprètes free-jazz et de tambours africains. Ce qui est important dans la compréhension de la composition d'un morceau est distinguant ses éléments. Une bonne compréhension des éléments formels de la musique peut être utile pour déchiffrer exactement comment une pièce est construite. Un élément universel de la musique est de savoir comment les sons se produisent dans le temps, qui est dénommé le rythme d'un morceau de musique. Quand une pièce semble avoir un temps dans les changements, sentir, il est considéré être en temps de rubato, une expression italienne qui signifie que le tempo de la pièce de changements en fonction de l'intention expressive de l'interprète. Voire le placement aléatoire de sons aléatoires, ce qui se produit dans un montage de musique, se produit dans une sorte de temps, et emploie ainsi le temps comme un élément musical. [modifier] La réception et l'audition vue par FaceYourArt.com Icône de détail Article: Audition (sens) Concert au Mozarteum de Salzbourg Le champ de la cognition musicale comprend l'étude de nombreux aspects de la musique, y compris la façon dont elle est traitée par les auditeurs. La musique est vécue par les individus dans une série de paramètres sociaux, qu'il s'agisse d'être les seuls à assister à un grand concert. Les spectacles musicaux prennent des formes différentes selon les cultures et les milieux socio-économiques. En Europe et en Amérique du Nord, il ya souvent un fossé entre ce que les types de musique sont considérés comme une «culture haute» et «culture populaire». «Haute culture» les types de musique comprennent généralement la musique savante occidentale tels que baroque, classique, romantique et moderne de l'ère symphonies, concertos et des œuvres en solo, et sont habituellement entendus dans les concerts formel dans les salles de concert et les églises, avec les spectateurs assis tranquillement dans les sièges. D'autre part, d'autres types de musique tels le jazz, le blues, la soul, et le pays sont souvent effectuées dans des bars, des discothèques et théâtres, où le public mai être en mesure de boire, danser, et à s'exprimer par des acclamations. Jusqu'à la fin du 20ème siècle, la division entre «haut» et «faible» formes musicales a été largement acceptée comme une distinction valable que séparé de meilleure qualité, plus avancé "musique savante" de l'styles populaires de la musique entendue dans les bars et dancings. Toutefois, dans les années 1980 et 1990, les musicologues étudient ce fossé perçu entre «haut» et «faible» les genres musicaux ont fait valoir que cette distinction n'est pas fondée sur la valeur musicale ou la qualité des différents types de musique. Plutôt, ils ont soutenu que cette distinction était fondée en grande partie sur le statut socio-économique ou classe sociale des artistes-interprètes ou spectateurs des différents types de musique. Par exemple, alors que le public des concerts classiques symphoniques ont généralement des revenus supérieurs à la moyenne, l'audience d'un concert hip-hop dans une zone du centre-ville mai ont des revenus inférieurs à la moyenne. Même si les artistes interprètes ou exécutants, du public ou le lieu où les non-"art" la musique est jouée mai ont un statut socio-économique inférieure, la musique qui est effectuée, comme le blues, hip-hop, punk, funk, ska mai ou être très complexes et sophistiqués. Les personnes sourdes peuvent connaître la musique en ressentant les vibrations dans leur corps, un processus qui peut être améliorée si la personne détient un objet, résonance creuse. Musicien sourd Un bien connu est le compositeur Ludwig van Beethoven, qui a composé plusieurs œuvres classiques, même après qu'il avait complètement perdu l'ouïe. Parmi les exemples récents de musiciens sourds comprennent Evelyn Glennie, percussionniste très réputé qui a été sourd depuis l'âge de douze ans, et Chris Buck, un violoniste virtuose qui a perdu son audience. Informations complémentaires: la psychoacoustique |