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Tout comme les écrivains utilisent les mots pour s'exprimer, les artistes utilisent leur art pour exprimer leurs vues sur les questions qui les touchent, et Marc Chagall ne fait pas exception. Guerre nous touche de manière profonde et laisse une impression durable. Chagall art est semblable à cet égard - une fois lu, il n'est pas facile à oublier. Chagall Art de la Première Guerre mondiale L'année 1914 a vu l'éclatement de la Première Guerre mondiale. Chagall et sa femme Bella étaient en visite ville natale de Chagall de Vitebsk en Russie, où ils sont devenus piégés par les combats. A cette époque, le travail de l'artiste a commencé à révéler une nature discrète. Ses peintures, une fois riche en symboles de liberté et d'amour, maintenant représenté décor simple et dépeint les habitants de Vitebsk. Son travail durant cette période est presque dépourvu de la qualité chimériques qui ont jadis caractérisé son style artistique. Chagall souvent appelé à Paris comme sa muse, peut-être plus réaliste, ses pièces sont révélateurs de son désir d'être en mesure de vivre à Paris à l'époque. Sa peinture "Prier Juif» (1914) montre un homme juif à genoux dans la prière solennelle. Chagall utilisation de couleurs vibrantes était sa signature; toutefois, cette peinture est sensiblement le manque d'habitude des tons riches de son style. Également peint à cette époque était "Soldats au pain", qui met en scène deux soldats toting tristement leur pain dans la rue. Les tons sont sombres et fades. Dusty bruns et des verts coupé en déduire un sentiment de résignation. Un soldat yeux sont baissés et il semble battu. La majorité de l'art de Chagall au cours de cette période est représentative de sa perception de Vitebsk, par exemple "l'oncle Zussi (The Barber Shop") "," Store oncle à Liozno "," Plus de Vitebsk "et" The Clock ". Bien que ces pièces parviennent encore à mettre en évidence son habileté dans l'impressionnisme, ils ne semblent pas être aussi poétique que certains de ses autres œuvres, pas plus qu'ils ne présentent sa prédilection pour les couleurs vives. Self-Portrait de Chagall Chagall technique comprend aussi bon nombre de soi-portraits. En 1914, il peint un article intitulé "Autoportrait au chevalet", qui est forcément différente de ses représentations de nombreuses autres. Dans cette peinture, Chagall maintient une aura de sévérité et de ressentiment. Encore une fois, son usage infâme de couleurs vives est nettement absents. La toile est enveloppé de bourgogne foncé et bleu marine. Le portrait traduit la colère. Son regard aux paupières lourdes accuse et sa main est sur le point d'une façon qui nous amène à croire qu'il a été brutalement interrompue. Sa bouche est pincé dans un froncement de sourcils désapprobateur. Le dégoût évident dans cette pièce est indéniable. Pour un homme aussi épris de fantaisie, il est supposé que son inspiration créatrice était étranglée par la violence qui l'entoure. Chagall Art de la Seconde Guerre mondiale Chagall est connu pour son optimisme, presque enfantin représentations des amants, sa bien-aimée de Vitebsk et des thèmes bibliques. Il ya beaucoup de symboles récurrents dans son oeuvre, mais avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, ses thèmes religieux sont devenus beaucoup plus fréquents et vives. En 1941, année qui vit l'occupation nazie de la France, Chagall a été contraint d'abandonner sa bien-aimée de Paris de nouveau. Au début, il refusait de quitter, croyant que sa renommée en tant qu'artiste le protéger. Toutefois, comme la violence et la persécution de la nation juive escalade, Chagall a réalisé que ses tentatives de rester à Paris mettaient sa famille en danger grave. Alors, quand il a fui à la sécurité en Amérique, ses tableaux ont perdu leur connotation naïve et a adopté une aura de profonds tourments. L'ère de Chagall A l'époque de la Seconde Guerre mondiale, Chagall a produit de nombreux grands travaux. En 1933, l'artiste peint "Solitude", dans laquelle un homme juif semble isolé et inconsolables, serrant ses rouleaux à sa poitrine. Cette peinture est un excellent exemple de la maîtrise de l'iconographie de Chagall. À côté de l'homme est une vache, une métaphore de la vie en raison de sa fourniture de viande, le lait et le cuir, les nécessités de survie. Cependant, à côté de la vache est un violon. Dans beaucoup de travail de Chagall, il apparaît un violoniste ou un violon. À l'ère de Chagall, violoneux joue de la musique pour commémorer le carrefour de la vie, comme une naissance, de mariage et de décès. Il est intéressant que Chagall mettrait la vache, représentant la vie, à côté du violon, ce qui représente la mort. Affinité de Chagall à la représentation de dualités est évident dans ce tableau comme sa conscience était déchiré entre son amour indéfectible pour Vitebsk et sa passion féroce pour Paris. Chagall "Crucifixion" Chagall's "White Crucifixion" (1938) est horrible et en même temps, se déplaçant dans ses images. La toile regorge de symboles. Jésus est représenté sur une croix blanche vacille au-dessus d'une scène de destruction et de chaos. Des soldats portant des drapeaux rouges profaner un village sur la droite, et le drapeau allemand est affiché au-dessus d'une synagogue brûle sur la gauche. Dessous de l'image de Jésus est une menorah, le symbole d'un Juif pieux. Plusieurs personnes ont fui les lieux avec des sacs en joignant leurs parchemins religieux et des effets bien serré dans leurs bras. Encore une fois, les éléments de la dualité est présente. Jésus est vêtu d'un châle de prière juif autour de sa taille, et pourtant, Jésus sur la croix est un symbole chrétien répandu de la souffrance. C'est comme si Chagall avait voulu dire ce morceau de faire appel aux juifs et aux chrétiens. Cette production laisse peu de place à l'interprétation, ses illustrations reflètent clairement ses sentiments concernant le chaos qui l'entoure. Sa tristesse et d'impuissance à la persécution de son peuple transcendé sur ses toiles, dépeignant martyrs juifs et des réfugiés. En 1943, Chagall a créé un tableau similaire, appelé «Yellow Crucifixion". Dans cette œuvre, Jésus est affiché sur la périphérie de la toile et un grand rouleau de la Torah est centrée en premier plan. À ce moment-là, l'Holocauste était à son apogée et d'innombrables juifs ont été exterminés. Cela pourrait expliquer besoin de Chagall à reproduire cette pièce avec la Torah comme le point focal. En temps de guerre, Chagall a utilisé son art comme un catalyseur de ses émotions tumultueuses, mais aussi comme une arme pour riposter contre le régime nazi. Grâce à sa vision créatrice et sa maîtrise de l'iconographie, il a réussi à immortaliser les épreuves et les tribulations de la guerre. |